Comment faire un court métrage d'animation?

Mais n'importe qui avec une bonne imagination peut faire un court métrage d'animation — Comme pour tout type de film, l'animation demande du temps, de la patience et beaucoup de planification, mais n'importe qui avec une bonne imagination peut faire un court métrage d'animation.

L'animation est facile à appréhender mais difficile à maîtriser. Il existe autant de styles d'animation qu'il y a d'animateurs, et commencer par un court métrage est un excellent moyen de pratiquer les techniques d'animation tout en développant votre style «signature». Comme tout autre film, l'animation demande du temps, de la patience et beaucoup de planification pour réussir, mais n'importe qui avec un ordinateur peut faire un court métrage d'animation.

Méthode 1 sur 3: faire une animatique (pré-production)

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Écrivez un script. C'est souvent plus facile à dire qu'à faire, mais vous devez écrire vos idées clairement et leur donner une structure avant de commencer à travailler. Contrairement à l'action réelle, il est presque impossible d'"improviser" un film d'animation, car il faut simplement trop de temps pour tout animer. Vous pouvez utiliser un simple document Word ou un logiciel d'écriture de scripts comme Celtx, Writer Duets ou Final Draft. Votre script n'a pas besoin de dialogue, mais il a besoin de:
- Un thème. Quel est le "point" du court métrage? Cela n'a pas besoin d'être grandiose, profond ou compliqué. Cela peut aller de «la perte de l'innocence de l'enfance» ou «l'ennui est un état d'esprit» à «Je veux faire rire les gens avec cette blague». Considérez-le comme un principe directeur pour votre film.
- Personnages. Qu'est-ce qui retiendra l'attention de votre public? Cela peut être n'importe quoi, d'une personne ou d'un animal à une ligne ondulée, comme le court métrage primé aux Oscars "The Dot and the Line: A Romance".
- Visuels. Où se passe le court métrage? Quelle est l'ambiance ou l'ambiance? Un scénario doit raconter l'histoire du court métrage dans son intégralité afin qu'il puisse être utilisé comme plan pour un travail futur.
- Un début, un milieu et une fin. Cela semble évident, mais c'est le but - presque toutes les histoires sont racontées en trois parties ou actes spécifiques et délimités. Cela ne signifie pas que vous devez avoir une histoire en trois actes, ou même des "personnages". Il faut cependant réfléchir à "l'action" du court métrage avant d'aller de l'avant.
  - L'acte 1 présente les personnages et un problème (ils ont faim, le monde se termine, le garçon a le béguin pour quelqu'un, etc.)
  - L'acte 2 complique l'histoire/le problème (Tous les magasins sont fermés, le méchant peut gagner, la personne a déjà un petit ami, etc.).
  - L'acte 3 permet de résoudre le problème (ils trouvent une sandwicherie, ils sauvent le monde, le garçon rencontre une autre personne, etc.)
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Esquissez des modèles de personnages. Avant de commencer à animer, vous devez savoir à quoi ressembleront vos personnages. Dessinez-les dans une variété de poses, de costumes et d'expressions pour avoir une idée de ce à quoi ils ressembleront. N'oubliez pas qu'un personnage peut être n'importe quoi dans un film d'animation, d'un ours à une paire de salières et poivrières. Néanmoins, vous souhaitez développer vos personnages à l'avance afin qu'ils aient l'air cohérents lorsque vous les animez.
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Élaborez un story-board. Les storyboards sont des dessins individuels pour chaque élément d'action du scénario et sont utilisés dans la production de presque tous les films - animés ou non. Ils sont à la fois simples et complets, car vous en avez besoin d'un pour chaque changement que vous souhaitez dans le film. Ils n'ont cependant pas besoin de détails ou de couleurs d'arrière-plan, à moins que cela ne soit essentiel à l'histoire. Vous pouvez trouver et imprimer une variété de modèles de storyboard gratuits en ligne ou dessiner les vôtres. Chaque image du storyboard comporte deux parties:
- L'image: Dans un cadre rectangulaire, tracez l'action principale du plan, en ignorant pour l'instant les images de fond. Vous pouvez également dessiner des notes ou des flèches pour indiquer le mouvement.
- Le dialogue. Sous le plan, notez ce qui doit être dit dans le plan, la durée proposée du plan et les effets éventuels (zoom avant, caméra tremblante, etc.)
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Importez votre storyboard dans un programme de réalisation de films, en enregistrant chaque image individuellement. Une fois que vous avez planifié vos prises de vue, importez-les dans votre ordinateur. Assurez-vous de les nommer correctement (Act1.Scene1.Shot1.jpg, par exemple). Lorsque vous avez terminé, importez-les tous dans votre logiciel de montage de films (iMovie, Windows Movie Maker, Final Cut Pro, Adobe AfterEffects, etc.) et placez-les dans le bon ordre.
- Adobe AfterEffects ou Premier sont considérés comme les normes de l'industrie, mais vous pouvez utiliser n'importe quel programme avec lequel vous êtes le plus à l'aise.
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Utilisez votre storyboard pour créer un diaporama chronométré ou animatique. Les animatiques sont les premières versions de l'animation - elles rassemblent le rythme et le rythme du court métrage et vous permettent d'obtenir le bon timing pour votre court métrage final. Cela semble compliqué, cependant, ce ne sont en réalité que des diaporamas avec un timing approprié. Mettez les images du storyboard dans l'ordre sur votre logiciel de montage et étendez-les, coupez-les et jouez avec elles jusqu'à ce que vous ayez une coupe "brute" du film final.
- Vous pouvez trouver des exemples d'animatiques en ligne, comme l'animatique du clip "Feel Good Inc." ainsi que quelques animatiques Pixar.
- Presque tous les films d'animation sont d'abord transformés en animatiques. Sinon, vous risquez de passer des heures à animer entièrement une scène qui doit changer, s'allonger ou se raccourcir, ou être supprimée.
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Ajoutez le dialogue et les effets sonores et ajustez la synchronisation de l'animatique selon vos besoins. Une fois que vous avez votre timing approximatif, il est temps de pré-enregistrer le dialogue. Cela n'a pas besoin d'être parfait, et vous pouvez même simuler les effets sonores avec votre bouche et vos mains si vous le souhaitez. Ce qui compte, c'est le timing. Avez-vous suffisamment de temps dans le «plan» pour faire sortir tous les mots? Prolongez ou raccourcissez la longueur de vos diapositives si nécessaire.
- Plus vous pouvez perfectionner le dialogue, mieux c'est, car la plupart des bons doublages nécessitent un bon timing. Cela dit, ce n'est pas le moment de s'inquiéter des détails les plus fins du doublage. Vous devez rassembler votre animatique avant de passer à la production complète.
CONSEIL D'EXPERT

Prenez un peu plus de temps dans la phase d'édition pour affiner votre timing. Puisqu'un court métrage ne dure que 15 minutes environ, tout doit être au point, de l'écriture à la voix du personnage en passant par le lieu.
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Revoyez votre animatique comme s'il s'agissait du film final. L'animatique finale doit raconter toute l'histoire de votre film, moins les couleurs, les arrière-plans et les détails.
- Si vous êtes familiarisé avec le montage vidéo, vous pouvez ajouter des panoramiques, des zooms et des transitions dès maintenant pour les tester avant votre montage final.
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Pensez à acheter une tablette. Les tablettes sont de petits blocs-notes qui sont livrés avec un stylet électronique, vous permettant de «dessiner» directement dans votre ordinateur. Bien dessiner avec une souris est presque impossible, et à moins que vous ne prévoyiez de petits projets ou du travail en stop motion, vous aurez presque certainement besoin d'une tablette.

Combien de temps faut-il pour réaliser un court métrage d'animation?

Méthode 2 sur 3: animer votre film (production)

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Déterminez votre support d'animation. Cela dépend généralement de votre expertise et de votre matériel. Par exemple, il est très difficile, voire impossible, pour un débutant avec un ordinateur plus ancien de faire des animations 3D comme Pixar. Il existe de très nombreux logiciels et styles d'animation, et tous ont des subtilités et des techniques uniques au logiciel.
- Animation 2D: il s'agit du look classique de dessin animé dessiné à la main. Les personnages sont des dessins au trait plat. À l'origine, ils étaient dessinés image par image, mais il existe maintenant une variété de logiciels qui rendent le processus beaucoup plus rapide, tels que Synfig, Pencil2D, ToonBoom ou encore Adobe Photoshop. Traditionnellement, vous utilisez 12 à 24 dessins par seconde de film.
- Animation 3D: Semblable aux modèles utilisés dans les jeux vidéo et les films comme Toy Story et Shrek, l'animation 3D est beaucoup plus difficile à maîtriser. Vous créez des modèles des personnages et des mouvements de code dans ceux-ci, faisant de l'animation 3D une sorte d'hybride artistique/codage. Vous devez également ajouter de l'éclairage et des textures. Les logiciels 3D peuvent être utilisés, mais cela prend beaucoup de temps et nécessite des logiciels comme AutoDesk, Poser Pro, Aladdin ou Sketchup. La plupart des animations 3D sont le résultat de grandes équipes travaillant ensemble.
- Stop-motion: si simple que tout le monde peut le faire, le stop-motion consiste à utiliser des figures ou des dessins réels et à prendre une photo après chaque petit mouvement. Lorsque les images sont lues dos à dos à grande vitesse, cela ressemble à un mouvement. Cependant, cela prend énormément de temps, car vous avez souvent besoin de plus de 12 photos par seconde de séquence pour la rendre fluide. Vous pouvez utiliser des découpes, des modèles en argile, des dessins individuels ou de vraies personnes pour le faire.
- Rotoscopie: forme d'animation de niche que l'on trouve dans des films comme A Scanner Darkly, la rotoscopie anime des films tournés de manière conventionnelle. Vous aurez besoin d'une tablette et vous parcourez les images image par image, en utilisant la vidéo en direct comme guide pour dessiner les personnages. Le résultat est un look réaliste, mais toujours animé.
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Dessinez vos arrière-plans. Commencez par vos réglages, car les caractères s'y superposent. L'arrière-plan doit être tout ce avec quoi les personnages n'interagissent pas, car tout ce qui bouge doit être animé. L'arrière-plan doit être un grand dessin numérisé en haute résolution. Cela vous permet de "zoomer" sur certaines sections sans distorsion. Par exemple, si vous avez deux personnages qui parlent dans un café, vous voulez dessiner tout le café derrière eux. Mais vous voudrez peut-être que la "caméra" se concentre sur chaque personnage pendant qu'il parle individuellement. Au lieu de redessiner l'arrière-plan derrière lui, vous pouvez copier et coller une section plus petite de votre arrière-plan détaillé pour des "gros plans".
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Esquissez, modélisez ou concevez vos «poses clés». Quelles sont les poses essentielles de vos personnages, ou les actions définies par chacun dans la scène? Considérez-les comme les "destinations" de chaque mouvement. Prenez, par exemple, un personnage qui se termine pour un coup de poing. Vous pouvez diviser cela en trois «poses clés», dont chacune doit être dessinée et enregistrée séparément.
- Pose clé 1 = Repos. Cela pourrait être un visage de surprise, de colère ou de détermination, ou simplement le personnage avec ses mains sur ses côtés.
- Pose clé 2 = liquidation. Comment le personnage tire-t-il son bras en arrière? Ne vous inquiétez pas encore du mouvement pour arriver à cette position, tirez-les simplement avec le bras en arrière et prêt à relâcher.
- Pose clé 3 = Le suivi. Où finit le personnage juste après le coup de poing? Leur bras sera exposé et leur corps suivra probablement. Encore une fois, vous voulez la pose finale, pas les images au fur et à mesure que la main passe.
- Plus vous dessinez de poses clés, plus le mouvement sera complexe. Par exemple, vous pouvez ajouter une image clé du personnage ayant l'air choqué, se serrant le poing, laissant tomber son coude, balançant son bras, donnant un coup de poing, puis tournant sur le suivi.
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Dessinez les cadres «intermédiaires». Prenez le coup de poing par exemple - comment passez-vous de clé en clé? Il existe des logiciels avancés qui le feront pour vous - une fois que vous aurez créé des modèles de personnages, le logiciel "rendre" le mouvement entre les deux pour vous. Cependant, si vous débutez, vous devrez probablement dessiner vos propres cadres à la main. Plus vous dessinez de cadres, plus l'action sera fluide.
- Il peut être utile de placer vos images clés à l'écran comme guides. Cela vous aide à voir où vous devez obtenir les personnages et où ils ont commencé.
- Si quelque chose ne bouge pas, ne vous embêtez pas à redessiner. Copiez et collez l'image clé, effacez la partie qui doit être déplacée et gardez tout le reste là où il se trouvait.
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Composez le métrage. Le compostage n'est qu'une façon élégante de décrire l'enchaînement du film. Cela peut être aussi simple que de commander toutes les images pour le stop-motion ou aussi compliqué que de rendre un modèle 3D avec un éclairage précis. Encore une fois, votre méthode d'animation déterminera la façon dont vous composez quelque chose:
- Pour les animateurs 2D, la composition consiste à rendre le mouvement fluide. Un logiciel comme ToonBoom le fera pour vous, et peut être appelé "rendu".
- Pour les animateurs 3D, sachez que cela prend beaucoup de temps. Les effets d'éclairage et les textures sont difficiles à programmer, et même les ordinateurs les plus rapides peuvent prendre des heures pour composer une vidéo.
- Pour les animateurs en stop-motion, vous devez jouer avec la longueur d'image, en ajustant les plans d'un dixième ou d'un centième de seconde pour obtenir un mouvement fluide et fluide.

Il faut cependant réfléchir à "l'action" du court métrage avant d'aller de l'avant.

Méthode 3 sur 3: terminer votre film (post-production)

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Enregistrez n'importe quel dialogue pour le film final. Maintenant que vous avez l'animation presque terminée, il est temps d'obtenir la voix juste. Vos acteurs de la voix peuvent voir la scène finale, les expressions de leurs personnages et le timing que vous souhaitez dans votre plan final. Cela leur permet (ou vous) de fournir les meilleures performances vocales.
- Notez qu'à ce stade, toute modification de l'animation peut prendre beaucoup de temps. C'est pourquoi une pré-production minutieuse est essentielle à un film d'animation de toute longueur.
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Ajoutez des effets sonores le cas échéant. Les effets sonores doivent venir après les acteurs de la voix et être réglés sur le volume approprié où ils ne dominent pas le dialogue. Il y a bien sûr quelques exceptions à cette règle. Par exemple, s'il y a une explosion à laquelle les personnages doivent réagir, il peut être préférable de la mettre en premier, avant d'enregistrer le dialogue. Cela aide les acteurs à réagir.
- Le mixage sonore est une forme d'art importante et subtile. Investissez dans un bon casque et/ou haut-parleurs pour régler correctement tous les volumes.
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Coupez le film dans votre vision finale. Maintenant que vous avez rassemblé tout le film, comment cela se passe-t-il? Il est probable que certaines transitions semblent maladroites et qu'une scène ou deux dure plus longtemps qu'elle ne le devrait. Tout comme vous monteriez n'importe quel film d'action en direct, vous devez porter un œil critique sur votre pièce animée et la polir jusqu'à ce qu'elle scintille. Bien qu'il n'y ait pas de manière «correcte» de monter un film, il y a quelques principes à garder à l'esprit:
- Certaines scènes vous semblent-elles rapides et essentielles? Vous sentez-vous engagé tout le temps? Une ligne ou un plan spécifique aide-t-il à faire avancer l'histoire ou le thème? Si la réponse à l'une de ces questions est non, commencez à tailler. Souvent, la première et la dernière ligne de dialogue ne sont pas essentielles, car sauter directement dans/hors d'une scène est généralement plus engageant. Chaque image compte lors de l'édition.
- Regardez le film avec une personne éloignée du projet. Y avait-il des parties où l'on s'est ennuyé? Quelque chose les a-t-il perturbés ou a-t-il besoin de plus de temps? Comment pouvez-vous couper et rogner votre histoire pour la rendre aussi captivante que possible?
- Comment la scène s'enchaîne-t-elle? Parfois, 2 à 3 secondes de séquences d'arrière-plan aident le spectateur à reprendre son souffle et à plonger dans la scène suivante avant le début du dialogue.
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Ajoutez vos touches de polissage, comme des effets, des transitions et une correction des couleurs. Par exemple, si vous souhaitez ajouter une teinte sépia ancienne à votre film, ajoutez-la en dernier. Ces sortes de petits changements sont inutiles pendant que vous rognez, coupez et construisez votre film. De plus, ils seront inutiles si vous coupez la scène ou modifiez la palette de couleurs. Toutes ces petites touches doivent venir en dernier, une fois que vous êtes sûr que la «viande» du film est prête.
- Ajoutez des volets, des fondus ou des fondus d'entrée aux transitions de scène.
- Ajoutez des filtres ou des effets sur le métrage fini.
- Ajoutez des titres et des crédits au début et à la fin si nécessaire, à la toute fin.

Mais n'importe qui avec un ordinateur peut faire un court métrage d'animation — Comme tout autre film, l'animation demande du temps, de la patience et beaucoup de planification pour réussir, mais n'importe qui avec un ordinateur peut faire un court métrage d'animation.

Conseils

Travaillez par petits morceaux pour obtenir les meilleurs résultats - une scène, une action, etc. - puis construisez-les ensemble plus tard.
Prenez votre temps en pré-production. Cela vous évitera bien des maux de tête plus tard.
Faites un film test, pas plus de 20-30 secondes, si vous commencez tout juste avec un nouveau logiciel. Cela vous aide à apprendre le programme et les défis avant de plonger dans votre vision.

Mises en garde

Ne vous attendez pas à la perfection dans vos premiers films. L'animation prend toute une vie à maîtriser.

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Comment faire un court métrage d'animation?

Pas

Méthode 1 sur 3: faire une animatique (pré-production)

Méthode 2 sur 3: animer votre film (production)

Méthode 3 sur 3: terminer votre film (post-production)

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