Comment jouer de la basse fretless?

Familiarisez-vous avec la guitare basse. Cet article est écrit pour les personnes ayant une expérience de la basse frettée. Si vous n'avez jamais joué de basse auparavant, commencer sur une frettée peut être une bonne idée, car ils sont généralement plus faciles.

Choisissez-en un avec des lignes. Certaines basses fretless sont livrées avec des lignes sur le manche où se trouveraient les frettes, tandis que d'autres n'ont aucune ligne du tout. Alors que certaines personnes pensent que les basses frettées doublées n'ont pas l'air aussi cool (et vous obtiendrez des gens qui diront "C'est une fretless? Quelles sont ces lignes alors?"), passer d'une basse frettée à une fretless non doublée est un excellent moyen de jouer beaucoup de très fausses notes. De plus, Jaco Pastorius a joué une fretless doublée, et il est le plus grand joueur de fretless de tous les temps.

• Si vous ne voulez vraiment pas de lignes visibles sur le cou, vous pouvez en obtenir qui n'ont les lignes que sur le côté du cou, bien qu'elles soient plus difficiles à utiliser.

Jouez sur les lignes, pas derrière elles. La plus grosse erreur que les gens commettent lorsqu'ils utilisent une fretless pour la première fois est de mettre leurs doigts là où ils le feraient pour une basse frettée, entre les lignes. Cela peut produire des notes qui sont à un quart de ton ou plus de la note que vous avez l'intention de jouer.

• Sur une basse fretless, vous devez placer votre doigt précisément là où la frette serait - donc si vous essayez de jouer un C sur la corde A, placez votre doigt exactement sur la troisième ligne, pas entre les deuxième et troisième lignes. Surveillez toujours vos doigts lorsqu'ils jouent afin de jouer exactement la bonne note.

Apprenez à glisser. L'une des meilleures choses à propos du fretless est que vous pouvez glisser parfaitement entre deux notes sur une corde, en obtenant également toutes les tonalités intermédiaires. Glisser sur Fretless sonne fantastique et peut être utilisé comme base de formidables solos de basse.

• Jouez avec les diapositives et écoutez les différentes tonalités que vous obtenez - une diapositive rapide a un son plus net, tandis qu'une diapositive lente est très douce et résonnante. Faites juste très attention à vous arrêter exactement sur la bonne ligne et à y arriver sur le bon rythme. Cette technique est appelée Portamento. La guitare frettée produit le Glissando (digital up down) par le glissement comme le KB ou la harpe, la guitare fretless produit le Portamento (analogique up down) comme le Theremin.

Augmente le volume. Les basses frettées sont, en moyenne, plus silencieuses que les basses frettées, vous devrez donc augmenter le volume de votre ampli ou de vos potentiomètres pour obtenir le même volume. Même à des niveaux élevés, cependant, le type de son produit par une fretless ne va pas faire sauter quiconque de son siège, vous devez donc le faire!

Apprenez ce qui fonctionne. Ce n'est pas seulement le glissement, les basses fretless ont un ton très différent des basses frettées. Ils sonnent très chauds, fluides et doux, et sont propices à de belles mélodies, mais ils n'ont pas le punch dur et défini d'une basse frettée, et les claques et les pops sonneront très différemment sans une frette en métal pour que les cordes rebondissent..

• D'un autre côté, vous pouvez produire des sons que vous ne pouvez tout simplement pas obtenir avec une basse frettée - Jaco, par exemple, avait un son très proche du cor. Dans l'ensemble, essayez de penser plus mélodiquement, de tenir des notes et de penser moins aux sons de pédale.
• Jouer vite et fort peut très bien fonctionner - Steve Digiorgio a fait carrière en jouant du Death Metal sur fretless et cela a fonctionné à merveille - et en fait, le fretless est finalement plus facile à jouer vite une fois que vous êtes bon avec, mais vous devez respecter votre instrument et ce qu'il peut faire.

Jouez arpège / basse alberti. Habituellement, l'arpège et la basse alternative (basse Markey / basse Alberti) sont utilisés pour une guitare basse au lieu de shuffle / stroke. Comme le guitariste le sait, si les cordes à vide sont bien accordées par les harmoniques, les accords de triade en arpège ne sonnent pas bien de manière drastique en position haute. En bref, la guitare frettée ne peut pas produire exactement les 3e, 5e, 7e des accords de triade en raison de la nature du système de frettes de Mercenne inventé vers 1730. L'intervalle exact est appelé intonation pure. Une fois que vous vous êtes habitué à jouer de la guitare fretless, vous pouvez ajuster la position des doigts autour de la ligne de frette virtuelle en écoutant le son que vous jouez. La différence entre la hauteur exacte des 3e, 5e, 7e (même 4e) et celles imposées par les frettes est un peu. Cependant la différence d'harmonie reproduite est grande. On dit qu'il faut regarder les frettes pour jouer de la guitare frettée,écoutez le son pour jouer de la guitare fretless. Pour ce marsouin, le modèle AUCUNE ligne de frette pourrait être préférable pour éviter de coller aux lignes de frette. Jouez comme un violoncelle et chercher un beau son d'arpège comme une harpe. (Parmi les choristes, on l'appelle Pure tone, chez les harpistes on l'appelle Natural temper, chez les guitaristes on l'appelle True tune, et parmi les clavecinistes on l'appelle Antique temper. Ce sont les mêmes.) Une fois que vous vous êtes habitué à entendre l'harmonie dans True tune, cela devient inoubliable dans votre esprit.

• En bref, en appliquant la méthode Kodály (un système Do mobile avec une solennisation unique que les voyelles changent en "i" pour les notes aiguës, en "u" pour les notes plates. Prononcez ensuite Re# comme Ri, Mib comme Mu et ainsi de suite, mais clairement Mii = Fa, Tii = Do), Mi est plus bas que la hauteur normale tandis que Mu et Lu sont plus hauts, Fa est un peu plus bas, So (Sol) est un peu plus haut, La et Tu sont plus bas. De plus, lorsque vous jouez Ti faiblement à cadence pour un bon chanteur, Ti peut être plus élevé. Cette tierce majeure basse est nommée Mercenne 3ème, la 7ème majeure haute est nommée 7ème pythagoricienne, et d'autres sont appelées Notes pures à mémoriser; Les 3e et 6e majeurs sont faibles tandis que les 3e et 6e mineurs sont élevés mais le 7e mineur est bas, parfois le 7e majeur est élevé. Mercenne 3rd donne une harmonie transparente pour les accords toniques (Do maj, Do maj 7th,etc) tandis que la 7ème de Pythagore donne une forte motivation aux accords de 7ème dim (Ti dim, Ti dim 6, etc) pour dissoudre l'harmonie en accord tonique à la cadence. En général, pour dire que plus vous utilisez une position haute, plus le décalage de laune ligne de frette virtuelle apparaît.
• Si vous utilisez un modèle électro-acoustique, ces intonations seront plus claires car il a une chambre de résonance. Une guitare basse électro-acoustique n'est pas sensible au climat comme le violon ou la harpe ou le clavecin. Cependant, lorsque le désaccord se produit par un changement climatique soudain, vous pouvez l'ajuster en déplaçant la position du doigt sans demander de pause pour le réglage, tandis que les instruments numériques continuent de jouer (ils ne sont pas délicats pour le climat).
• Entre le tempérament pur et le tempérament moderne (égal), il existe une douzaine de beaux accordages de tempérament, tels que Mean tone (Mezotonico), Werkmeister, Sirbermann, Kirnberger, Nomura, etc. Cependant, ceux-ci ne sont pas pour Guitar / Bass, et ne t correspond à la musique moderne. Pour que votre anxiété se rende compte de ces tempéraments, vous pouvez utiliser le tuner KORG OT-120 (bon pour la voix), ou CASIO AT-3 / AT-5 Pop KB, ou le synthétiseur KORG Kross (bon pour les programmeurs de patch novices). Ils ont des tempéraments antiques prédéfinis qui peuvent être modifiés par l'utilisateur. En règle générale, un tempérament antique donne une couleur sombre et transparente comme un whisky dans l'herbe du gobelet pour votre son, tandis que le tempérament moderne donne une couleur brillante et non transparente comme le mercure dans le tube à essai.

Décidez quelle fréquence (fc) vous devez utiliser pour la mélodie principale. Ceci est un autre thème pour l'accord des instruments de musique. De nos jours (depuis que l'ISO a annoncé la hauteur standard pour les instruments de musique en 1956), la hauteur de A4 est généralement fixée à 440 Hz pour l' orchestre (et KB) tandis que certains ensembles modernes préfèrent 447 Hz et est fixée à 415 Hz pour l'ensemble baroque. C'est ce qu'on appelle la hauteur baroque et cela s'appelle la hauteur de concert. Cependant, la hauteur du concert était généralement fixée à 432 Hz et la hauteur baroque à 407 Hz jusqu'aux environs de l'année 1885, juste avant que le piano moderne rénové ne soit produit en série (415 Hz correspond à G4 # sur A4 = 440 Hz, 407 Hz correspond à G4 # sur A4 =432Hz) Et qui connaît la hauteur exacte à l'époque médiévale? Soi-disant c'était moins 390Hz mais il n'y avait pas de diapasons ou des partitions musicales écrites. En plus de ces hauteurs de concert pour ensemble, il y avait la hauteur d'église appelée tonalité de choeur qui était utilisée à la Scola Cantorum (école de musique de l'église). C'était plus haut que la normale d'aujourd'hui; A4=483 à 504Hz (485Hz est B sur A4=432Hz ou presque A# sur A4=440Hz, 504Hz est presque B sur A4=440Hz). Je suppose que le ton de la chorale est venu des demandes de leurs étudiants qui devraient être Castrati (garçon soprano). Ces anciens emplacements peuvent être appelés emplacements historiques.

• Parmi ces hauteurs historiques, seul le réglage historique à 432 Hz a été discuté comme une question super psychologique telle que la guérison de l'esprit, le pouvoir cosmique, le chakra de la chaleur, etc., parmi les personnes qui ne connaissent pas bien la musique historique. Mais c'est vraiment au musicien d'interpréter le sens de la beauté authentique. Jusqu'à présent, il semble que personne ne prête attention à appliquer la hauteur historique pour les instruments historiques. Par exemple, le violoncelle baroque (mère de la contrebasse) et le clavecin (fille de la harpe et du luth) sont accordés à 415 Hz, la harpe celtique et la flûte irlandaise (utilisées à l'époque de la Renaissance) sont réglés sur 440 Hz. Donc, si vous jouez du jazz baroque ou du morceau celtique, il vaut la peine de considérer le ton historique de votre session. Les chants de Noël presque traditionnels ont leurs racines sur le vieil hymne, la cantate antique, ou autre. Donc, si vous jouez des Villancicos (Carols) comme une tâche de routine à la fin de chaque année, il vaut également la peine de considérer le ton du Chœur.
• En fait, il est difficile d'appliquer la hauteur historique pour chaque instrument. Ensuite, la suggestion est de jouer G (392 Hz) en voyant la note A (440 Hz) sur la partition, ce qui signifie que jouer comme note entière vers le bas (alors BEADG ouvert peut être assis sur ADGCF pour guitare basse). Ou, réglez A=440Hz sur votre accordeur et réglez la note C de votre instrument en Bb. Dans le cas d'une tonalité de choeur historique, jouez A# en voyant la note A (ou réglez BEADG ouvert sur CFA# D# G#). De cette manière, les bois et le KB peuvent être joints à votre session, mais vous devrez peut-être réécrire la partition transposée / la grille d'accords pour chaque instrument. En suivant les instructions de la section supérieure, vous pouvez jouer True tune sur la hauteur historique chaque fois que vous en avez besoin.
• Si vous avez l'occasion de faire une session avec la harpe celtique, essayez de régler A4 = 392 Hz, la harpe produira un son profond et confortable. De plus, vous constaterez peut-être que le bois du clavecin sonnera mieux lorsque vous jouez sur A4 = 407 Hz, tout comme le bois d'orgue à tuyaux sur le son de choeur historique même avec un POP KB (mettez votre POP KB sur une caisse de résonance en bois pour être plus clair). Si vous utilisez un retour de scène SP ou Bass Amp, cela peut être moins clair.

Reprendre; ici, il peut être simplifié le master tune en 6 types. Réglez votre accordeur pour A4 = 440Hz puis définissez votre C comme C de l'accordeur pour la hauteur de concert ISO, C comme B pour la hauteur baroque ISO, C comme Bb pour la hauteur baroque historique, C comme A pour la hauteur celtique / médiévale, C comme C# pour pas d'église historique, C comme D pour pas d'église ISO. Ensuite, utilisez votre oreille pour accorder les cordes. Et vous pouvez combiner la hauteur et le tempérament à votre guise. Par exemple, je choisis un tempérament moderne sur le pitch de concert ISO pour la présentation à l'école (principalement des pops latines dans ma région), True tune sur le pitch baroque historique pour ma propre session avec Harper & the Violinist (Le flûtiste est accueillant), True tune sur l'église historique pitch pour le concert de Noël des municipales. Pour les chanteurs solistes, je m'en fiche car ils utilisent le tempérament pythagoricien et il faudrait déplacer la clé pour adopter leurs registres (gamme de voix). J'ai quelques expériences à jouer de la basse pour les chœurs, malheureusement la plupart d'entre eux n'aiment pas le support de la basse.

• Il me semble que le True air fonctionne non seulement pour la musique occidentale (à l'échelle chromatique) et les chants celtiques (air folklorique européen à l'échelle naturelle), mais aussi pour Música Andina (air folklorique autochtone européen à l'échelle hexatonique?) et traditionnel japonais Chants Koto (harpe horizontale à l'échelle pentatonique).