Comment délivrer des informations à un public (édition du réalisateur)?
La communication d'informations n'est que la moitié du travail d'un directeur; Un bon réalisateur présente les informations d'une manière qui implique le public émotionnellement.
Lors de la réalisation d'un film, le travail d'un réalisateur est de communiquer avec le public. Cela signifie que le directeur doit présenter l'information d'une manière qui puisse être comprise et absorbée. Voici quelques moyens de le faire efficacement.
- 1Identifiez les informations que le public a besoin de connaître et assurez-vous qu'elles sont toutes incluses. Une erreur courante des administrateurs est d'omettre des informations. Bien que certaines informations ne semblent pas si importantes, elles dérouteront le public et les sortiront du film.
- Par exemple, une scène impliquant un cambrioleur et une armoire verrouillée d'objets de valeur peut être représentée comme suit: Le cambrioleur découvre que l'armoire est verrouillée et l'ouvre avec une clé. D'où vient la clé? Comment le cambrioleur a-t-il obtenu la clé? S'il n'est pas montré, le public ne le saura pas. Essayez plutôt ceci: le cambrioleur découvre que l'armoire est verrouillée, nous voyons le cambrioleur ouvrir le tirage supérieur et en retirer une clé, ouvrant ainsi l'armoire. Maintenant, avec l'information manquante incluse, le public sera satisfait.
- 2Insistez sur les informations de manière appropriée. Bien qu'il soit important d'identifier toutes les informations, si vous présentez les informations de manière non catégorique, le public risque de les manquer. Lorsque vous mettez l'accent sur les informations, rappelez-vous ce qui suit:
- Plus la taille de l'image est grande, plus les informations sont emphatiques.
- En organisant la composition de l'image, vous pouvez attirer l'attention sur les informations que vous souhaitez mettre en valeur
- La perspective à partir de laquelle le public voit l'information, ou l'angle de la caméra, est un outil puissant pour mettre en valeur l'information. Les inserts d'objectifs ne sont tirés d'aucun point de vue particulier, donc neutre; les inserts subjectifs sont généralement d'un certain point de vue, donc plus emphatiques.
- Vous pouvez contrôler l'emphase simplement par la durée pendant laquelle vous affichez une information à l'écran. Le public a plus de temps pour remarquer et absorber les informations lorsqu'elles sont à l'écran plus longtemps.
La perspective à partir de laquelle le public voit l'information, ou l'angle de la caméra, est un outil puissant pour mettre en valeur l'information. - 3Communiquez à la fois des informations et des sentiments à votre public. La communication d'informations n'est que la moitié du travail d'un directeur; Un bon réalisateur présente les informations d'une manière qui implique le public émotionnellement. Voici des moyens de le faire efficacement:
- Plus la taille de l'image est grande, plus elle a un impact émotionnel important.
- Contrôlez la longueur d'une séquence en la prenant en un nombre plus ou moins grand de prises de vue. En allongeant la durée d'une séquence, le réalisateur augmente le sentiment d'urgence. Une séquence de dix plans est plus passionnante qu'une séquence de trois plans.
- Les angles de caméra peuvent contribuer à l'effet émotionnel global d'une scène. Les angles élevés donnent souvent un sentiment de détachement, tandis que les angles faibles soulignent la puissance de l'image et l'impuissance du spectateur. Les angles frontaux frontaux semblent formels et calmes, tandis que les configurations diagonales véhiculent le mouvement et l'énergie.
- La sensation d'une image est fortement affectée par l'objectif utilisé pour l'enregistrer. Les objectifs grand angle exagèrent la profondeur et le mouvement vers ou loin de la caméra; l'effet qu'ils véhiculent est dynamique et énergique. Les téléobjectifs, en revanche, suppriment la profondeur et le mouvement, gardant le spectateur à distance et transmettant un sentiment de formalité.
- Le mouvement de la caméra peut ajouter de manière significative à la distribution émotionnelle d'une scène. Une caméra fixe, panoramique et inclinable d'une position, transmet un sentiment d'observation détachée. Une caméra en mouvement, en particulier lors de l'entrée et de la sortie, devient une partie de l'action. De plus, une caméra en mouvement constant donne une sensation d'énergie agitée.
- Les prises de vue individuelles peuvent être raccourcies ou plus longues, selon l'effet souhaité. Les plans courts avec des coupes rapides donnent une impression d'énergie dynamique, tandis que les longs plans sont calmes et délibérés. C'est pourquoi les combats sont généralement construits à partir de nombreux plans brefs, tandis que les scènes romantiques sont souvent assemblées sous des angles moins nombreux mais plus longs.
- Le mouvement est un moyen facile d'attirer l'attention sur un sujet, en particulier lorsque le reste du cadre est immobile. Vous pouvez également inverser cette procédure. Dans l'un de ses nombreux clichés célèbres, Alfred Hitchcock a montré une tribune de match de tennis pleine de spectateurs dont la tête pivotait gauche-droite-gauche-droite pour suivre une longue volée sur le court. Seule la tête du méchant ne bouge pas, car il regarde sa proie plutôt que le match. Bien qu'il soit petit dans le cadre, l'œil du spectateur va immédiatement vers lui.
- Utilisez l'emphase audio. L'accentuation audio est possible grâce à des programmes de post-production numériques offrant un contrôle complet de l'imagerie stéréo et même de l'imagerie du son surround. Cette capacité est particulièrement utile pour mettre en valeur les éléments importants qui sont hors écran.
Bien qu'il soit important d'identifier toutes les informations, si vous présentez les informations de manière non catégorique, le public risque de les manquer. - Mettez l'accent sur certains acteurs par un éclairage plus brillant ou en leur faisant porter des couleurs de costume qui se démarquent de la palette de couleurs globale.
- Plus vous pouvez faire confiance à vos co-créateurs, plus vous pouvez vous concentrer exclusivement sur les tâches essentielles de la réalisation.
- Un réalisateur de film ne devrait être chargé de façonner la performance qu'en bloquant l'action, en guidant les acteurs et en rythmant les scènes; choisir les configurations en déterminant où placer le caméscope, où et quand le déplacer, et comment sélectionner et modifier les distances focales; et la conception de la couverture en fonction de la quantité d'action à inclure dans chaque plan, du chevauchement à autoriser entre les plans et du nombre de façons de recouvrir l'action avec des configurations alternatives.
Lorsque vous ajoutez de l'emphase aux informations, rappelez-vous ce qui suit: Plus la taille de l'image est grande, plus les informations sont emphatiques. - Les réalisateurs ne doivent donner leur avis que sur la qualité esthétique et technique des images vidéo, la conception générale des décors, des lieux, des costumes, etc., ainsi que la structure et le langage du script qui fournit le plan de production. Vous pouvez expliquer ce que vous aimeriez réaliser dans ces domaines et vous pouvez exprimer votre mécontentement lorsque les résultats ne vous satisfont pas, mais vous ne devez pas dicter la manière dont ces résultats doivent être atteints. Cette responsabilité et cette autorité devraient appartenir respectivement au vidéaste, au directeur artistique et à l'écrivain.
- Soyez prudent lorsque vous utilisez l'accentuation audio Bien que l'accent audio soit finalement créé lors du montage, le réalisateur doit l'anticiper lors de la production. Faites réagir l'acteur au son, même s'il n'est pas entendu sur le plateau.
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